ISMOS PARA ENTENDER EL ARTE MODERNO, Sam Phillps

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SAM PHILLIPS, Ismos para entender el arte moderno, Turner, Madrid, 2013, 160 páginas.

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En la Introducción (pp. 6-7) Sam Phillips advierte: "Este es un libro sin afán de exhaustividad". No obstante, por la maquetación, la capacidad de síntesis y las referencias, se convierte en un interesante primer peldaño para los que han comenzado a subir la escalera que da acceso a la comprensión del arte moderno.
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POSMODERNISMO

Término que describe las reacciones contra el pensamiento y la cultura propios de la época moderna o modernis­mo. Su uso no se extendió hasta la década de 1970. Bajo el rechazo a la modernidad subyace el concepto de que las ideas no pueden describir verdades fundamentales.

   Las palabras posmodemismo o posmodernidad se emplean desde los setenta para describir estados o condiciones opuestas a la modernidad. Algunos críticos han argumentado que estos cambios han traído consigo un periodo nuevo y todavía vigente conocido como era posmoderna.
   La mayoría de movimientos de arte mo­derno hasta finales del siglo XX afirmaban que, con los medios adecuados, el arte tenía la capacidad de presentar y explicar verdades esenciales. Estas certidumbres iban desde lo emocional (expresionismo abstracto) al potencial de las tecnologías (Constructivis­mo). El posmodernismo se basa en el rechazo de la existencia de esas verdades esenciales. En 1979 Jean ­François Lyotard definía el término como «la increduli­dad frente a las metanarrativas», es decir, la duda de que una sola ideo­logía pueda definir de forma precisa nuestra condición o conducir al progre­so. A finales de los sesenta Jacques Derrida desarrolló la llamada decons­trucción, que afirmaba que las ideas son impre­cisas, inestables, interdependientes e inherentemente contradictorias, por lo que pueden subvertirse.
   Aunque la deconstrucción fue muy influyente en la crítica literaria, su estilo subversivo está también presente en las artes visuales. Los artistas socavaron las prácticas del pasado para llamar la atención sobre la naturaleza contingente de las ideas y las imágenes. La fotógrafa Cindy Sherman, por ejemplo, empleaba disfraces y maquillaje para trans­formarse a sí misma en una serie de retratos, que subrayaban la naturaleza compleja de la identidad y también de los estereotipos. Sus compatriotas Richard Prince y Sherrie Levine fotografiaban anuncios publicitarios y la obra de otros artistas, desafiando así el concepto de originalrdad creativa.
   Neoexpreslonlstas como Julian Schnabel o Francesco Clemente exploraban la idea del gusto en obras intencionadamente «malas».
   Si ningún estilo era mejor que otro, enton­ces, ¿por qué no combinarlos todos? Las exuberantes pinturas del estadounidense David Salle buscaban dar respuesta a esta pregunta, con yuxtaposiciones de innumera­bles imágenes. Lo kitsch se saludaba como arte en las obras neopop del neoyorquino Jeff Koons, derribando así cualquier distin­ción entre alta y baja cultura.
   Estos artistas no se definían a sí mismos como posmodernistas, ya que la palabra des­cribe una tendencia a lo irreverente y subver­sivo antes que un movimiento o creencia. Muchas de estas actitudes están presentes en el conceptualismo y el arte pop, inclu­so, en el dadaísmo; por tanto puede argüirse que la posmodernidad es una continuación de la modernidad, la demostración de sus aspectos más complejos y contradictorios.



OBRA CLAVE en el Solomon E. Guggenheim Museum, Nueva York

Comedia, 1995, DAVID SALLE

Obras como este díptico son las que sitúan a Salle en el contexto del posmodernismo. En un gesto de rechazo de la coherencia estilística de las décadas anteriores, yuxtapone imágenes y técnicas de distintos momentos de la historia y de la cultura, El panel derecho incluye una copiada una fotografía de moda en blanco y negro rodeada por mariposas y sobreimpresa a una imagen sacada de un anuncio de los años cincuenta.


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